jazz

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:

• En primer lugar, tanto por su constante asimilación de otras tendencias musicales estilística o culturalmente ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
• En segundo lugar, por la sucesión de forma ininterrumpida de un numeroso conjunto de subestilos que, vistos en perspectiva, manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias musicales wikipedia

academias de musica bogota

escuelas de musica bogota

Western swing

El Western swing es un genero de música country originada en el suroeste de Estados Unidos en la década de los años 20, entre los grupos populares de música western a partir de la influencia del jazz.^{[1] [2] [3] [4] [5]}
La mayor parte del Western swing es música bailable de ritmo rápido^{[6] [7]} que consiste en una combinación de Música folclórica de Estados Unidos, cowboy, polka, New Orleans Jazz, dixieland y blues, enmarcado en un swing de jazz^[8] tocado con una banda de saxofones, pianos y steel guitar que suelen improvisar.^[9] Al evolucionar, las formaciones incluyen también una influencia del bebop. wikipedia

academias de musica bogota

escuelas de musica bogota

Música popular del rock

La música popular se opone a la música docta y es un conjunto de géneros y estilos musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.
Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con la llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media.
Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner, que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la televisión. wikipedia

academias de musica bogota

escuelas de musica bogota

Música contemporánea pascuense

Música contemporánea. El pop ha ido haciéndose espacio en la isla y es así como nos podemos encontrar con conjuntos isleños que hacen uso del funk, el jazz y el rock en interpretaciones que muestran de todos modos su raíz nativa, aunque con el peligro de perjudicar el folclor. Por supuesto, su cultivo ha significado la incorporación de teclados, bronces, batería e instrumentos electrónicos.

cursos de guitarra

clases de guitarra

musica pascuense

Música moderna. La influencia de los visitantes hizo que los pascuenses adoptaran y personalizaran otras formas musicales polinésicas, sobre todo danzas entre las que encontramos el Tamuré, el Sau-Sau (en la práctica el baile isleño oficial), el Ula-Ula, el Opa-Opa y el Tari-Tarita, todas ellas introducidas durante el siglo XX y provistas de la sensualidad de regiones como Samoa y Tahiti. La liturgia católica de la isla, por otro lado, se ha beneficiado del desarrollo de temas que aportan el rico aire antiguo. La música se enriqueció también con la adopción de instrumentos como el ukelele, la guitarra, diversos tipos de tambores, flautas (hio, hecha de bambú), la cacharaina (kauaha, quijada de equino) y el acordeón (upa-upa).

cursos de guitarra

clases de guitarra

Música pascuense

Música antigua.^[5] Se ha dicho del pueblo Rapa Nui que es una de las culturas más musicales del planeta, (Bello, 1995). Tratándose de la isla más aislada de otra tierra en el mundo, su música más antigua nos resulta sorprendente tanto por sus expresiones y modos de interpretación como por el hecho de que la tradición e historia de este pueblo se transmiten a través del canto. Completamente vigente, el canto de Rapa Nui se distingue por el uso de múltiples recursos vocales como quejidos, pausas y acentos , una rica polifonía e improvisación. Los cantos suelen ser de origen ritual y recrean historias tanto previas como posteriores al origen mítico con Hotu Matu'a. Por la escasez de recursos físicos, los instrumentos musicales se restringían a la percusión de conchas, piedras (maea), maderas (ua, parecido a un remo) y un tambor muy original (keho). Los bailes antiguos también son rituales y recrean sus leyendas al compás del canto o la percusión.

cursos de guitarra

clases de guitarra

Zamba carpera

En Argentina existe una variante de zamba llamada zamba carpera, el nombre de la misma se debe a que es realizada dentro de las grandes carpas (tiendas de campaña) que se usan para resguardar a las parejas de bailarines durante el carnaval o chaya en el NOA.
La zamba carpera tiene un ritmo más stacatto y ligero que la zamba común, sus sonidos recuerdan a los de la chacarera y, dado que su música suele hacerse con bandoneón, también recuerda al uso de "acordeonas" que se hace en el chamamé. wikipedia
academias de musica

escuelas de musica

ritmo de la zamba

Su ritmo es motivo de controversia, porque hay algunos músicos que la definen como una danza puramente en compás de 6/8, mientras que otros como el músico Juan Falú consideran que en realidad es una danza de ritmo mixto, con una base en 3/4 y una melodía en 6/8, mientras que hay otros, como Adolfo Ábalos o Hilda Herrera que sostienen que ésta es una danza puramente en 3/4. wikipedia

academias de musica bogota

escuelas de musica bogota

Zamba

La zamba —que no debe confundirse con la samba brasileña—, es un género musical bailable del folclore del noroeste de la Argentina, y de la zona de Tarija y Santa Cruz, al este de Bolivia. Ha sido propuesta como danza nacional de la Argentina.^[1
Los musicólogos coinciden en que proviene de la zamacueca, surgida en 1824 en Lima, en el momento en que el Perú obtenía su independencia liderado por el general argentino José de San Martín.
Su denominación como "zamba" se refiere al término colonial que se aplicaba a las mestizas descendientes de indio y negra (o viceversa). La danza está diseñada para seducir a las zambas, y de allí su nombre, tanto en el Perú como en la Argentina. wikipedia

academias de musica bogota


escuelas de musica bogota

canto del Táchira

En cuanto a las escalas a que se ajustan estas melodías, varían entre sí, de acuerdo con el tipo de música regional. Así, un canto del Táchira para recoger café difiere mucho de un canto llanero para el arreo. Pero en general, todos muestran un carácter antiguo.
De acuerdo con el diccionario Universal de la Música de Kurt Pahlen, transcribimos las siguientes interpretaciones:
Tonada: significa melodía, pero también un tipo de canción popular española y latinoamericana, de tipo algo sentimental.
Tonadilla: diminutivo de tonada; significa originalmente una canción después de una pequeña obra teatral con cantos, parecida al vaudeville y al sinspiel alemán. Fue sumamente popular en los teatros de Madrid a partir de mediados del siglo XVIII, como intermedio intercalado en obras grandes y, más tarde, como espectáculo propio.
Copla: significa originalmente las estrofas de una canción española, luego la canción misma, de carácter popular y medidas breves, preferentemente. Existe un parentesco entre la copla española y el couplet francés. wikipedia


academias de musica bogota

escuelas de musica bogota

Las orquestas contemporáneas contra liszt

Estos aspectos del poema sinfónico requerían que los intérpretes tuvieran una calidad superior, una perfecta entonación, buen oído y conocimiento del papel de los miembros de la orquesta. La complejidad pudo haber sido una de las razones por las que Liszt instó a otros directores para «mantenerse al margen» de sus obras hasta que estuvieran preparados para hacer frente a los cambios. Muchas de las orquestas de pequeños pueblos en esa época no estaban capacitadas para satisfacer las demandas de esta música.^[73] Las orquestas contemporáneas también se enfrentaron a otros retos al interpretar los poemas sinfónicos por primera vez. Liszt mantuvo sus obras como manuscritos, distribuyéndolas a las orquestas durante su gira. Algunas partes de estos manuscritos tenían tantas correcciones que los intérpretes tenían dificultades para descifrarlos y más aún para interpretarlos adecuadamente.^[67] Los poemas sinfónicos fueron considerados tal riesgo financiero que las partes orquestales de muchos de ellos no se publicaron hasta la década de 1880 wikipedia

academia de musica

academias de musica

pasajes extensos

El público pudo haberse visto desafiado por la complejidad de las obras, que también habían causado problemas a los músicos. Escritas en nuevas formas, los poemas sinfónicos usaron pulsos poco ortodoxos, produciendo en ocasiones un ritmo inusual. El ritmo irregular provocó dificultades de interpretación y sonaba errático a los oyentes. Comparado con las suaves armonías de las sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart o Joseph Haydn o muchas otras arias operísticas de la época, las avanzadas armonías de los poemas sinfónicos podían producir música chillona o incómoda. Debido al uso de armaduras de clave inusuales, los poemas sinfónicos tenían muchos sostenidos y bemoles más que una obra musical habitual. El mayor número de notas planteaba un desafío a los músicos, ya que tenían que variar el tono de las notas en concordancia con la partitura. Las rápidas fluctuaciones en la velocidad de la música fueron otro factor de complejidad de los poemas sinfónicos. El uso constante de texturas de música de cámara, que eran producidas dando a los solistas pasajes extensos o con pequeños grupos para interpretar pasajes en conjunto, ponía en tensión a la orquesta; los errores del solista o del pequeño grupo no podrían ser «tapados» por el sonido de la orquesta en pleno y serían obvios para todo el mundo wikipedia

academia de musica

academias de musica

Las nuevas obras de Liszt

Las nuevas obras de Liszt no tenían un éxito de público garantizado, especialmente en las ciudades en las que los oyentes estaban acostumbrados a programas de música más conservadores. Aunque tuvo «un éxito sólido» con Prometheus y Orpheus en 1855 cuando las dirigió en Brunswick,^[68] el ambiente para Les Préludes y Tasso, Lamento e Trionfo, que se representaban ese diciembre en Berlín, fue más frío.^[69] Su representación de Mazeppa dos años después en Leipzig casi fue detenida debido a los silbidos de la audiencia.^[67] Ocurrió un incidente similar cuando Hans von Bülow dirigía Die Ideale en Berlín en 1859; después de una representación, el director se volvió hacia el público y ordenó a los manifestantes abandonar la sala, «ya que no es costumbre silbar en esta sala».^[70] Las cosas mejoraron un poco en las décadas siguientes, gracias a los esfuerzos de los discípulos de Liszt, como Bülow, Carl Tausig, Leopold Damrosch y Karl Klindworth.^[67] Sin embargo, el público de la época no entendió estas composiciones. wikipedia


academia de musica


academias de musica

Ranchera

Sus orígenes datan del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue difundo con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de 1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.
Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o línea, culminando en una "terminación fundida".
En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.
Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional. wikipedia

cursos de guitarra bogota

clases de guitarra bogota

Chotis madrileño

El chotis llegó a Madrid en 1850 y se bailó por primera vez, en el Palacio Real, la noche del 3 de noviembre de aquel año, bajo el nombre de Polca Alemana. A partir de ese momento, alcanzó gran popularidad y llegó a ser el baile más castizo del pueblo de Madrid, hasta convertirse en un símbolo del Madrid festivo.
Según el periodista José Ayala, el chotis, y su organillo acompañante, fue introducido en Madrid por un inmigrante siciliano llamado Antonio Apruzzese, ver Organillo/Referencias madrileñas madrile.C3.B1as, que durante una estancia en Viena aprendió el secreto de las pianolas y fue el primero en traerlas a Madrid, instalando su taller en la Calle de San Francisco. Allí en Madrid se las llamó "organillos", y la música de ritmos austríacos que traían llamada Schotis encandilo a los chulapos madrileños. En una calle de Madrid, en la Cava Baja, aún hay un bar que recuerda esta historia y cuyo nombre es "Schotis". wikipedia

cursos de guitarra bogota

clases de guitarra bogota

Xote brasileño

El "Xote" es la versión brasileña del baile y se considera que llegó al país por inmigrantes de Alemania en el Siglo XIX. En aquellos años los varios estilos del baile fueron populares entre las clases altas de la sociedad brasileña, especialmente durante del reinado del Emperador Don wikipedia


cursos de guitarra bogota

clases de guitarra bogota

Chotis argentino, paraguayo y uruguayo

n Argentina, Paraguay y Uruguay, el chotis o schottis fue introducido por los inmigrantes alemanes del Volga y polacos asentados a partir de la segunda mitad del siglo XIX, en la región litoraleña de los ríos Paraná, Paraguay y Uruguay que integran la Cuenca del Río de la Plata. Constituye uno de los estilos destacados de lo que en la Argentina se llama música litoraleña.
El chotis acompañó el ingreso a la región de uno de sus instrumentos más característicos, el acordeón diatónico, de una y dos hileras, que se sumó a la guitarra van a formar la orquesta típica campesina o campiriña. Una vez instalado, el chotis se fusionó con la música folcórica de la región, fuertemente influenciada por la cultura indígena guaraní, adoptando las características que lo distinguen.^[1] Luego de fusionarse con la música de origen indígena guaraní, dio origen al chamamé moderno.^[2]
Entre los intérpretes se destacan los misioneros Luis Angel Monzón (el Rey del Chotis) y el Chango Spasiuk. wikipedia

cursos de guitarra bogota

clases de guitarra bogota

sanjuanino Buenaventura Luna

El 1 de octubre de 1937 el sanjuanino Buenaventura Luna (Sentencias del Tata Viejo) y su grupo La Tropilla de Huachi Pampa (Entre San Juan y Mendoza), del que formaba parte el Dúo Tormo-Canales (Antonio Tormo y Diego Canales) debutaron en Radio El Mundo de Buenos Aires, abriendo camino a la difusión masiva de la música folclórica;^[49] el éxito llevó a la emisora a poner en el aire en 1939, el programa folclórico El Fogón de los Arrieros.^[50]
En los años cuarenta se destacó el éxito nacional del grupo santiagueño Los Hermanos Ábalos (Nostalgias santiagueñas, De mis pagos, Chacarera del rancho), surgidos en 1939, y la aparición de una generación de músicos clásicos, que utilizarían en sus composiciones los estilos musicales del folclore argentino, especialmente Carlos Guastavino y Alberto Ginastera. En esta década se generalizaron también los dúos folclóricos, como el ya mencionado Dúo Tormo-Canales, y otros como el Dúo Benítez-Pacheco, el Dúo Hermanos Cáceres, el de las tucumanas Vera-Molina,^[51] y conjuntos como el exitoso Llajta Sumac dirigido por el dúo riojano Velárdez-Vergara. wikipedia

academias de musica

academia de musica

la ola inmigratoria

A partir de mediados de 1930, la ola inmigratoria proveniente de ultramar comenzó a decaer, a la par que se generó una gran ola migratoria interna, del campo a la ciudad y de las provincias (el «interior») a Buenos Aires. Este último proceso llevó el folclore a Buenos Aires, especialmente, y preparó la condiciones para lo que se llamaría el «boom del folclore» en los años cincuenta y sesenta.

Primer disco de Atahualpa Yupanqui: Caminito del indio, 1936. Yupanqui recién alcanzaría el reconocimiento popular en los años sesenta.

La escasa importancia concedida a la música folclórica queda de manifiesto en una nota publicada por la revista Sintonía en 1935, titulada «Recital indígena por Radio Fénix» en la que realizaba la crónica de la presentación de un joven cantante, Atahualpa Yupanqui:
Agradable nota artística y no muy frecuente es la que ha ofrecido por le emisora Fénix, el intérprete Atahualpa Tupanqui [sic, por Yupanqui]. La música indígena no ha tenido aquí una cabal manifestación hasta que el magnífico pianista Argentino Valle la reveló en emotivas interpretaciones. La actuación de A. Tupanqui [sic] no puede ser sino elogiosamente comentada y es de esperar que el artista reafirme el comentario periodístico con una actuación sobresaliente. wikipedia

academias de musica

academia de musica

Resurgimiento del folklore

Ya desde fines del siglo XIX había comenzado un esfuerzo por recuperar el folclore como música nacional, impulsado por recopiladores como Ernesto Padilla, Andrés Chazarreta y Juan Alfonso Carrizo. La música folclórica comienza a divulgarse por el norte del país y para los años veinte ya está lista para proyectarse nacionalmente.^[45]
El resurgimiento nacional del folklore se fue produciendo por etapas. El 25 de agosto de 1906 Andrés Chazarreta realizó un histórico recital de guitarra en el Teatro Cervantes de Santiago del Estero que inició con la interpretación de Zamba de Vargas, una canción popular anónima, probablemente la primera en tomar forma de zamba argentina, a la que se le ha atribuido haber sido tocada durante la trágica Batalla de Pozo de Vargas de 1867 provocando la victoria santiagueña, y que el propio Chazarreta recopiló tomándola de su entorno familiar. En ese momento se denominaba «música nativa» —el término «folklore» y «música folklórica» para referirse a la música popular inspirada en ritmos pertenecientes al folclore aparecería en los años cincuenta— y el propio Chazarreta formó su Compañía de Arte Nativo del Norte Argentino, que debutó el 19 de junio de 1911 y con la que recorrería el país.^[46]
Por entonces, Buenos Aires se constituyó en centro para la difusión masiva de la música argentina, debido a la vitalidad de su mundo del espectáculo, a ser la sede de las compañías grabadoras de discos (los primeros discos argentinos para gramófono se grabaron en 1902^[47] ), y la sede de las principales radioemisoras (Buenos Aires fue la ciudad en la que se realizó la primera transmisión radial de la historia, el 27 de agosto de 1920).
Si bien en los años '10 el dúo Gardel-Razzano —que provenían del arte de la payada y la milonga campera—, grabó varias canciones de base folclórica (El sol del 25 y La huella), se considera que el momento clave del resurgimiento del folclore argentino fue la histórica representación que Andrés Chazarreta en Buenos Aires, el 16 de marzo de 1921 en el teatro Politeama, donde con gran éxito expuso sus recopilaciones de canciones populares como Zamba de Vargas, La López Pereyra (compuesta por Artidorio Cresseri en 1901), La Telesita, etc.^[46] En 1925 grabaría para el sello Elektra su primer simple, con La 7 de abril y Santiago del Estero. wikipedia

academias de musica

academia de musica

Recuperación del estilo de López Farfán

Durante el periodo ocupado por la Guerra Civil Española y la posguerra, la marcha procesional se había caracterizado por una marcada tristeza y seriedad, sólo roto de manera muy tímida, en alguna obra concreta. Pero la aparición en el panorama musical sevillano de Santiago Ramos Castro en 1953 supuso la recuperación del estilo de López Farfán, y lo hace con la composición de la marcha «Virgen de las Aguas». En adelante serían cada vez más los que recurrirían al estilo «farfaniano»” a la hora de componer música procesional.

Semana Santa de Valladolid.

Esto en cuanto a lo que a Sevilla concierne, ya que en el resto de Andalucía no se produciría la aparición de marchas de este tipo hasta bien entrada la década de los años ochenta, también, salvo excepciones. Mientras, la marcha procesional experimenta un desarrollo nunca antes visto, apareciendo nuevamente, la figura del músico militar, como el ya tratado Pedro Gámez Laserna o como Juan Vicente Mas Quiles. Quien, tras pasar por la ciudad hispalense, recala en Valencia sin dejar de firmar partituras religiosas.
Otros nombres salen a la palestra, como el caso de Pedro Morales Muñoz. A este periodo se la ha denominado la Edad de Oro de la marcha procesional en contraste con el sombrío periodo anterior. wikipedia

cursos de guitarra electrica

clases de gutarra electrica

Pedro Braña Martínez

El asturiano de nacimiento, Pedro Braña Martínez sin duda alguna se encuentra entre los compositores más destacados de la posguerra. La puesta al frente de la Banda Municipal de Sevilla se considera providencial para el patrimonio musical de la Semana Santa sevillana, que tras la Guerra atravesaba, como otras muchas, momentos malos.
Su forma de entender la marcha procesional, unida a un marcado sentimiento religioso, fueron los ingredientes necesarios para producir un repertorio de gran delicadeza. Sus obras rebosan de elegancia, comenzando por «Angustia» compuesta en 1945, y siguiendo con «Nuestra Señora del Patrocinio» de 1953 y terminando con «Salmo Penitencial» en los años noventa, todas ellas de gran categoría. Pero sin duda alguna, de entre toda su obra destaca «Coronación de la Macarena» compuesta en el año 1964 expresamente para la Coronación Canónica de la Esperanza Macarena. wikipedia

cursos de guitarra electrica 

clases de guitarra electrica

Pedro Gámez Laserna

Pedro Gámez Laserna transcurre su vida artística entre Córdoba, dirigiendo la Banda Militar del Regimiento de Infantería de Lepanto y la del Regimiento Soria 9 de Sevilla. Impregnó la marcha procesional con cierto carácter militarista, aportando unas instrumentaciones muy completas y logradas enalteciendo sus originales melodías y dándole gran lucimiento a los instrumentos, teniendo siempre en cuenta sus tesituras y posibilidades tímbricas.
En 1949, Pedro Gámez Laserna logra con «Saeta cordobesa» fundir la saetilla dentro de la marcha urdiéndola de manera primorosa con ricas armonías y contrapuntos, como ya habían hecho anteriormente Farfán, o Pascual Marquina Narro en su «Procesión de Semana Santa en Sevilla». También destacan composicones como «Salve Regina Martyrum» de 1952, «El Cachorro saeta sevillana», de 1967, «Pasa la Virgen Macarena» de 1959, «María Santísima del subterráneo» de 1961 o «Sevilla cofradiera», de 1972. wikipedia

cursos de guitarra bogota

clases de guitarra bogota