El Rock in Rio 2011

El Rock in Rio 2011, que se celebrará los fines de semana del 23 al 25 de septiembre y del 30 de septiembre al 2 de octubre, ya tiene confirmadas las actuaciones de grupos como Red Hot Chilli Peppers, Snow Patrol, Metallica, Sepultura, Motörhead o Coldplay.
El festival ya cuenta con nueve ediciones en su haber y más de cinco millones de espectadores que han podido disfrutar de más de 650 artistas de todo el mundo. el espectador

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Río de Janeiro (2001)

Diez años después de su última edición en Río de Janeiro (2001), el festival de música regresará a la ciudad que lo vio nacer en 1985, con múltiples novedades tras su paso por las capitales europeas de Madrid y Lisboa.
La futura 'Ciudad del rock', como se conoce el recinto del festival, tendrá tres escenarios, espacios para exposiciones, un centro comercial e incluso un pequeño parque de atracciones. el espectador

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Río 2016

La construcción de un espacio de ocio al aire libre ya formaba parte del dossier de candidatura de Río 2016, por lo que las autoridades anticiparon su construcción para hospedar otros grandes eventos antes de los Juegos.
Las obras del futuro 'Parque Olímpico' se extenderán durante los próximos nueve meses y tendrán una inversión de 37 millones de reales (unos 22 millones de dólares).
La alcaldía espera que el festival del próximo año reporte unos beneficios superiores a los de la edición celebrada en 2001, que tuvo un impacto financiero de 350 millones de reales (unos 205 millones de dólares). el espectador

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El segundo álbum de estudio de Lady Gaga

El segundo álbum de estudio de Lady Gaga saldrá al mercado en mayo, aunque sus "monstruitos", como llama la cantante a sus seguidores, podrán hacerse con el primer sencillo del disco en febrero. 

Con 'Born This Way', Gaga hará un guiño a su amplio público internacional que en su actual gira, The Monster Ball, le ha hecho colgar el cartel de "localidades agotadas" en prácticamente el centenar de conciertos que ofrecerá fuera de Estados Unidos hasta el 6 de mayo.  el tiempo

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Lady Gaga cantará en español

La polifacética Lady Gaga interpretará un tema en español en su próximo álbum, 'Born this way', que mostrará la faceta más políglota de la nueva reina del pop con temas cantados en hasta seis idiomas. 

"Cantará en chino mandarín, español, portugués y en hindi, y también quiero que grabe una versión en ruso", dijo el representante de la artista, Ralph Simon, en una entrevista de la agencia rusa RIA-Nóvosti.  el tiempo

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Exitos de Miguel Mateos

Entre sus éxitos más importantes se encuentran 'Cuándo seas grande', 'No es tan fácil romper un corazón', 'Atado a un sentimiento', 'Obseción', 'Si tuviéramos alas'.

La discográfia de Miguel Mateos consta de 9 álbumes: 'Obsesión' (1990), 'Kryptonita' (1991), 'Cóctel' (en vivo) (1993), 'Pisanlov' (1994), 'Bar Imperio' (1998), 'Salir Vivo' (2002), 'Uno' (2005), 'Fidelidad' (2008) y se encuentra en la preparación de su último álbum 'Primera Fila'. el tiempo

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explica Edgar

"Queremos presentar un mensaje muy optimista, no enfocarnos en situaciones sociales complicadas", explica Edgar. Ya ha estado en Cali, Medellín, Bogotá y otros destinos. Viajó al palenque de San Basilio, a donde lo acompañó la cantante Totó La Momposina "para evitar distorsiones", según explicó al referirse al hecho de huir de estereotipos.
Su recorrido conducirá a una serie de episodios acerca de las nuevas músicas colombianas, que estarán listos y se emitirán a partir de febrero de 2011. el tiempo


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director artístico de Putumayo

Edgar, que también es director artístico de Putumayo, el sello discográfico más popular del planeta en el campo de la música del mundo, y creador de Cumbancha Récords, ha estado grabando estos días entrevistas con artistas como La 33, Bomba Estéreo, Grupo Niche, Fonseca, Los Niños Vallenatos, La Mojarra Eléctrica, Aterciopelados, J Balvin y el mismo Arroyo.
"No hacemos entrevistas normales, es más una combinación de viaje y música -cuenta el musicólogo, cuyo viaje fue posible gracias al patrocinio del Ministerio de Cultura, entre otras entidades-. Por ejemplo, fuimos a Monserrate con Fonseca. Intentamos dar una impresión del país a través de su música". el tiempo

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Musicólogo llegó a Colombia para documentar creaciones de Joe Arroyo

Desde que escuchó la música del colombiano, hubo un antes y un después para el hoy célebre musicólogo: "Esta canción cambió mi vida, fue como la impresión de escuchar a los Beatles por primera vez,descubrí la música latina". 
Por eso, el viaje que este investigador está realizando por seis ciudades de Colombia para registrar el trabajo de destacados músicos colombianos en su programa de televisión  Music Voyager , que se transmite a 133 países por cable, Internet, móviles e incluso señal cerrada para aerolíneas, es "la realización de un sueño", según sus palabras. el tiempo


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Susana Baca, alma de la canción afroperuana

La última vez que estuvo en Colombia, hace tres meses, a Susana Baca le quedó la 'espinita' de no poder compartir su música con los bogotanos. En esa ocasión, estuvo cantando para los antioqueños en una noche inolvidable, en el marco del III Congreso Iberoamericano de Cultura. Este miércoles, la dama de la canción afroperuana podrá satisfacer a sus fanáticos capitalinos, en un concierto en el Teatro Ástor Plaza. Baca ha sido parte fundamental en la visión que su país le ha dado al fomento de la educación musical. Ella es la heredera de una tradición: es hija de los creadores del ensamble folclórico Perú Negro, esencial en la música de ese país en los años 70. El concierto contará con la apertura de la cantante colombiana Victoria Sur. el tiempo

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joan sutherland

La australiana cantó en cerca de 50 óperas, donde actuó con muchos de los grandes de su generación y realizó decenas de aclamadas grabaciones. Sus crecientes problemas con la artritis y temores de que su voz demostraba su edad la llevaron al retiro en 1990, luego de unos 40 años de carrera. Tras su salida de los escenarios, 'La Stupenda', como era llamada por sus fans, permaneció activa en la educación de cantantes jóvenes y se convirtió en una figura habitual como jurado de concursos de canto en todo el mundo. Sutherland fue nombrada en 1979 Dama Comandante del imperio británico y en 1991 recibió una orden al mérito. La cantante deja a su viudo, el director de orquesta conductor Richard Bonynge, su hijo Adam y su nuera Helen. Reporte de Mike Collett-White LONDRES Reuters. el tiempo

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Murió en Suiza la cantante de ópera Joan Sutherland

La australiana ganadora de dos premios Grammy falleció a sus 83 de años de edad.
Su familia dijo que la soprano, quien fue descrita en una ocasión por su colega Luciano Pavarotti como 'la voz más grande del siglo', murió pacíficamente a primeras horas de la mañana del domingo, tras sufrir de una larga enfermedad. El deceso de la cantante ocurrió en Suiza, donde se retiró para vivir cerca de Montreux. 'Ella es una persona muy importante en todo el mundo, pero para nosotros es nuestra familia y estamos tratando de adaptarnos a ello', dijo su nuera al diario australiano Sydney Morning Herald. Hija de una talentosa cantante, Sutherland estudió piano y canto con su madre y tuvo su estreno vocal en un concierto de 'Dido and Aeneas' con Henry Purcell en 1947 en Sydney. Su estreno operático fue con el rol principal en 'Judith', de Sir Eugene Goossens en 1951. Al año siguiente la artista fue aceptada dentro de la compañía Real de la Ópera de Londres, donde debutó como la primera dama en 'La Flauta Mágica' de Wolfgang Amadeus Mozart. 'Ella era 'Stupenda' en realidad', dijo Antonio Pappano, director musical de la Ópera Real de Londres. En 1961 y 1981 obtuvo premios Grammy. el tiempo

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Guitarra con efectos y sin defectos

Este artista inglés lleva más de 40 años en la escena musical y se ha dedicado a estrechar los nexos entre el blues y el rock.El guitarrista inglés Jeff Beck fue uno de los músicos de la superbanda The Yardbirds. Además, ha alternado con Mick Jagger, Rod Stewart y B. B. King.Gracias a una cuchilla de afeitar Jeff Beck logró su primer efecto de sonido. Antes de que los pedales oficializaran su arribo al rock y cambiaran, para siempre, la forma de tocar la guitarra, este artista inglés tuvo la genial idea de hacerle una fisura mínima al parlante y logró lo que muchos habían intentado de manera infructuosa: sonar distinto.el espectador

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¿Y entonces la marimba qué?

¿Y entonces la marimba qué? Para Carlos Miñana, lo que falta es mucha investigación que nos lleve a tener más información sobre el instrumento y su afinación. No es adecuado “ponerse a hacer un montón de marimbas para escuelas sólo por el hecho de que fueron declaradas patrimonio, teniendo aún tan pocas cosas claras”. A fin de cuentas se corre el riesgo de eliminar esa diversidad que tanto se aprecia y la parte viva de las expresiones inmateriales, ese lado casi espiritual de lo inmaterial, eso que hace a una marimba diferente de otra y que prende la fiesta dependiendo de su tumbao.el espectador

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nuevas escuelas de marimberos

Este descubrimiento es importante en la medida en que “hay que pensar qué marimbas vamos a hacer para las nuevas escuelas de marimberos que está creando el Estado”, explicó Miñana, “si serán las estandarizadas y afinadas de la forma occidental, o si serán las otras”. El problema es que no hay forma de que las marimbas “autóctonas” tengan un estándar de construcción, ya que no se ha develado de forma concreta el secreto de su afinación, que probablemente no sea uno solo. Tito Medina, un percusionista y baterista bogotano quien aprendió a tocar marimba observando durante mucho tiempo al maestro ‘Gualajo’, explica que “las marimbas, en muchos casos, son afinadas para que suenen bien con las voces de las integrantes de la familia, por eso es tan difícil definir una única afinación”.el espectador

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eltiempo.com / archivo

Con ritmo y sabor se difunde la ley de las comunidades negras

Eidy y Kelly, 'la voz' no oficial de los afrocolombianos, dan a conocer la medida con música.
En 1993, el año en que se promulgó la Ley 70 -que es la ley de las comunidades negras en Colombia-, nacieron dos morochas cimbreantes: Eidy Dayanna Estacio y Kelly Angulo. Su cuna: dos raquíticos barrios del puerto de Buenaventura. Su historia: la pobreza y no mucho más. Su sueño: la música. Sin quererlo, se acaban de convertir en la voz 'no oficial' de los afrocolombianos siglo XXI gracias a que, además de tener la misma edad de la ley que protege la identidad de su raza, también son las vocalistas de Son Cimarrón, una aguerrida agrupación de 20 jóvenes que acaba de lanzar el álbum 'El encanto de la ley 70'. ¿Y de qué se trata este trabajo? Es un valiente y sugestivo proyecto musical que en 10 canciones pretende difundir el espíritu liberatorio de esa voz que hace 17 años se transformó en Ley. Un álbum muy particular que, a golpes de currulao, mazurca, juga, jazz y rap, vio la luz el pasado 10 de octubre en un concierto titulado 'Encuentro PaZífico', celebrado en la playa El Bajito, en la negra ciudad de Tumaco. Así, con toda la responsabilidad del caso, Eidy y Kelly se enfrentaron por segunda vez en su vida a un público multitudinario -la primera vez fue en el pasado festival de Petronio Martínez-. Y así, de la misma manera, sus voces sabrosas, pero inexpertas, entonaron las canciones que buscan llegar al tuétano del joven mulato colombiano: 'Identidad', 'Negra es mi tierra', 'Mi territorio', entre otras... "Ahora sí soy una negra feliz -declara Eidy-. Cantar ha sido la manera de corregir mi realidad", alega Kelly. ¿Acaso alcanzaron su sueño? Parece que sí. Un par de años atrás, ambas estaban muy lejos de sentir así. Son Cimarrón Todo este proceso socio-musical, que con pinta de álbum se lanzó hace tan solo un par de semanas atrás y que tiene en Eidy y Kelly a los rostros visibles de esa juventud arrinconada, comenzó hace poco menos de tres años. Una buena tarde de junio del 2007, la profesora de música Mónica María Correa -por entonces una simple maestra manizaleña recién aterrizada en la Casa de la Cultura de Buenaventura- vio cómo un par de morochos, no mayores de 15 años, le pegaban con rabia, pasión y evidente sentido rítmico a un par de tambores, en el desfile fúnebre de uno de sus hermanos asesinados. Fue así como decidió, por cuenta propia, identificar a todos y cada uno de esos 'oídos' silvestres que pululan en la zona de Buenaventura. el tiempo

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La Orquesta sinfónica Nacional, de película

No son muchos los realizadores colombianos de cine que hacen su apuesta por la música orquestal en sus películas, como ocurre constantemente en Hollywood, donde John Williams (La guerra de las galaxias) o Howard Shore (El señor de los anillos) tienen a su disposición un enorme presupuesto. Sin embargo, el compositor caleño Alejandro Ramírez se ha abierto camino en ese terreno, especialmente con tres proyectos: fue quien hizo la música del documental 'Apaporis' , de Antonio Dorado, y la cinta 'Los actores del conflicto', de Lisandro Duque. Y, ahora, acaba de grabar la banda sonora de Póker, un largometraje que se encuentra en posproducción y que es la ópera prima de Juan Sebastián Valencia, producida por Natalia Agudelo. "Fue fascinante trabajar con la Sinfónica", cuenta Ramírez, quien relata que el proceso se hizo a la perfección, "como debe ser": "Los músicos veían la cinta mientras seguían sus partituras y su dirección; de tanto en tanto, había cierto espacio para la improvisación, de acuerdo con los ritmos de la cinta". Los realizadores del filme esperan que Póker esté lista antes de enero de 2011. La película cuenta con Rafael Novoa, Juan Sebastián Aragón, Cristina Campuzano y Alejandra Borrero en los papeles principales. Con este proyecto, la Sinfónica continúa sus viajes hacia espacios más populares: esta experiencia llega después de sus conciertos junto a los maestros Rodolfo Mederos, Jorge Velosa y al cantante Andrés Cepeda, entre otros. Así mismo, la Filarmónica de Bogotá ya tiene experiencia en grabación de música para películas, mientras la Sinfónica Eafit también ha adelantado proyectos con Ramírez. "Vamos bien, hay jóvenes directores de cine que están mirando la importancia de hacer algo muy elaborado en la música. Podemos hacer grandes cosas", comenta el compositor. el tiempo

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Hay mundo en la música íntima de Ella Fuksbrauner

Cantar en otro idioma es un talento que no se basa exclusivamente en dominar la gramática y fonética de las palabras: se trata de saber encantar con ellas. Por eso, de Ella Fuksbrauner se puede decir que canta en inglés, francés y español: seduce con el encanto de cada una de estas tres lenguas. Esta artista, nacida en Israel y radicada en Colombia, presentó recientemente su álbum debut, titulado Ink, producido enteramente en este país, en el que incluye once canciones propias. El trabajo es refrescante para la escena musical: es un sonido muy internacional, con una fuerza y un estilo comparables con los de Fiona Apple o Tori Amos, así como con los nombres más innovadores de la 'chanson' francesa. Ella es recordada por cantar en uno de los homenajes póstumos a Fanny Mikey, a quien esta joven artista le colaboró durante años. Ink contó con la participación de músicos importantes en la producción nacional: Gonzalo Sagarminaga (ex Hora Local), Julián Salazar, Felipe Álvarez y el trompetista Orlando Barreda Batanga, entre otros. En sus actuaciones en vivo, Ella combina su música con la actuación. El resultado es una puesta en escena cargada de sensibilidad que no es común descubrir en todos los cantautores. La música de Ella se puede escuchar en la dirección www.reverbnation.com/ellafuksbrauner . el tiempo

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La Carrera de Carmen Gomez

En su carrera, Gómez también ha interpretado, entre otras, a Frida Kahlo y a Salomé. "Me quedo con todos los personajes que he hecho. Los he elegido porque quise. Con los años, uno puede escoger con quién bailar, qué montar y a quién interpretar. Eso es libertad", dice con orgullo.
Ahora tiene en mente a la princesa de Éboli, "un personaje muy importante, vinculado a Felipe II; estamos en el cómo hacerlo".  En el 2001, Aída Gómez fundó su propia compañía. Además, ha hecho teatro y cine (en el 2002 actuó en la película 'Salomé', de Carlos Saura): "El cine llegó a mi vida sin pensarlo y, por supuesto, no me había preparado para estar delante de una cámara. Como experiencia, maravillosa, y a él lo adoro".El Tiempo

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Aída Gómez y su 'Carmen'

Aída Gómez, una de las bailarinas y coreógrafas más reputadas de España, empezó su carrera en el Ballet Nacional de ese país, a los 14 años, y se convirtió en su directora (la más joven en la historia de la institución).
Ha trabajado con grandes de la danza, como Antonio Gades, con quien hizo 'Bodas de sangre', y con celebridades del flamenco, como Antonio Canales y Joaquín Cortés, quien la incluyó en su exitosa 'Pasión gitana' como artista invitada.
Gómez no les teme a los retos ni a las responsabilidades. "Soy muy cabezona, aunque, la verdad, he hecho un sacrificio normal. La danza es una forma de vivir y de conocer gente y culturas que, como todo, tiene luces y sombras, pero yo me quedo con las luces", comenta desde Madrid la artista que trae a Bogotá -de la mano del Festival Arteria Flamenco- su versión de 'Carmen', el personaje que inmortalizó Georges Bizet.
"A Carmen  los hombres la ven muy distinta a nosotras. Era necesario, algún día, montar una Carmen con todos sus perfiles, incluido el hecho de que es súpermasculina. Es también una mujer fiel a lo que siente, algo que hoy es muy difícil de encontrar", sostiene la artista. El elenco de 'Carmen' lo integran 20 bailarines, encabezados por Gómez y por José Huertas, quien después de dos años de integrar la Compañía de Antonio Gades se convirtió en su primer bailarín.El Tiempo

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Sevilla

Lo que pocos saben es que, aunque  Sevilla no hable de su vida, sí marcó una etapa crítica en su carrera: coincidió con la agonía de su esposo. "El estreno fue el 6 de mayo y él falleció el 6 de junio -recuerda-. Fue un momento difícil, pero seguí adelante. El flamenco me ha ayudado a soportar los duros momentos, a ver la vida con más optimismo. Crear siempre te da ilusión". 
Cuando mira atrás, Pagés no hace balances. Aunque hace un año sufrió una parálisis de pie, que la alejó de los escenarios por un mes, hoy se encuentra bien y viviendo lo que define como "un momento dulce". Ella y su familia -así llama a los bailarines y músicos de su compañía- cumplen una agitada agenda que los mantiene lejos de casa. Pero nunca olvida que hay muchas maneras de volver: "Se vuelve en avión, se vuelve en tren, en barco, a veces con la imaginación o sólo con ese viaje interminable que es el deseo. Yo elegí volver con el sueño. Vuelvo a Sevilla, con la tranquilidad de poder volverme a ir mientras siga soñando". El Tiempo

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Pages

Pagés salió de su ciudad natal cuando apenas tenía 15 años, tras finalizar su carrera de danza. Su destino: Madrid, donde le habían ofrecido un trabajo para perfeccionarse. Allí permaneció hasta 1990, cuando regresó para casarse y tener su hijo: "Hice mi casa en Sevilla y al tiempo decidí montar mi compañía".
En esa misma casa conoció al que fue su gran amigo, el escritor José Saramago, a quien le dedicó su montaje 'Mirada'.  "Sevilla  es más brillante y espiritualmente abierta. Allí no sólo me veo yo representada, sino que están representadas todas las almas sevillanas. Es más extrovertida como creación, a diferencia de otras obras más íntimas", comenta ella.El Tiempo

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Homenaje a Placido

"Tenemos el privilegio de rendir homenaje a una de las voces más respetadas de nuestros tiempos, y a un hombre cuya generosidad ha beneficiado a gran cantidad gente alrededor del mundo", agregó Abaroa.

Parte de lo recaudado durante la gala irá destinado a la organización benéfica que Plácido Domingo elija y a los programas de educación de la Academia Latina de la Grabación, entidad que quiere también destacar con este premio los méritos filantrópicos del tenor a lo largo de su carrera.

Domingo ha recaudado con sus conciertos millones de dólares para las víctimas de desastres naturales como el huracán Katrina o el terremoto de Ciudad de México, y ha sido premiado con varios galardones en diferentes países del mundo por su contribución al panorama musical y artístico.

Con el Premio de Persona del año 2010, Domingo entra en una lista de galardonados en la que ya estaban, entre otros, el guitarrista mexicano Carlos Santana, la cantante cubana Gloria Estefan, el dominicano Juan Luis Guerra y el también español Julio Iglesias.El Tiempo

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Plácido Domingo es la Personalidad del Año

El homenaje a Plácido Domingo, que comenzará a las 20:00 hora local en el hotel Mandalay Bay de Las Vegas (Nevada), consistirá en una cena de gala y un concierto de música pop que contará con la presencia de varios de sus amigos, incluido el puertorriqueño Ricky Martin y la española Rosario Flores.

"Para mí ya es todo un honor estar ahí y que hayan contado conmigo", dijo a Efe la artista, quien interpretará el tema "Te lo juro yo".

"Me encanta esa canción y me voy a explayar con él (con Plácido Domingo), le voy a entregar todo mi corazón porque se lo merece. Me parece que es un genio y un monstruo. Es irrepetible", añadió.

El tenor español es reconocido como "rey de la ópera", "verdadero Renacentista" y "el artista más destacado de la ópera de los tiempos modernos", señaló en un comunicado Gabriel Abaroa, presidente de La Academia Latina de la Grabación.El Tiempo

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Abaroaa

Esa, para Abaroa, fue la lección más importante. "Cuando vayamos a abrir cualquier categoría, el camino será acercarse primero a creadores y productores para involucrarlos y que no parezca imposición, para que se sientan responsables de 'ese bebé'".

Hoy que el Grammy busca restablecer la categoría de merengue, el proceso es diferente: "Ya no lo discutimos en Miami, como con el vallenato, sino en República Dominicana, con los merengueros".

En estos cinco años, el vallenato dio pie a muchas discusiones: "Desde el comienzo -dice Abaroa-, quisimos respetar los aires de la música colombiana y que la cumbia estuviera presente, por eso se integró al vallenato. Muchos pidieron separar los dos géneros y se les explicó que sería dejar huérfana a la cumbia colombiana y nadie volvió a pedir que el vallenato esté solo. Es más: alguien propuso incluir la 'y' entre cumbia y vallenato. Eso sí prosperó".El Tiempo

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Calle 13 dice

"Colaboro con Adidas, entonces Adidas me da tenis (calzado deportivo) para colaborar con mi mamá en un evento que estoy haciendo para darle zapatos a los deambulantes", dijo.

Reveló también que rechazó una oferta de Coca Cola: "No me veía yo anunciando una lata de Coca Cola, luego me arrepentí y dije, coño, con ese dinero montábamos tres escuelas", apuntó.

Hace unas semanas, desde su hotel de lujo en Miami, el cantante organizó una salida nocturna para repartir almohadas y mantas a los indigentes, como relató él mismo en su Twitter, incluyendo material gráfico.

"Residente" es uno de los artistas mas seguidos en la red social, con 746.000 seguidores. El peso que van adquiriendo sus opiniones no es algo que él busque, explicó.El tiempo

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El duo calle 13

El dúo se ha comprometido con algunas causas en Latinoamérica, la educación es lo que más les preocupa, afirmó, y ha causado polémica en algunas ocasiones, como con los mensajes en las camisetas de "Residente" cuando presentó una entrega de los premios MTV.

El artista afirmó repetidamente que el "colaborar con supuestos enemigos, que acaban siendo individuos como todos", como las corporaciones internacionales, es una forma de luchar desde dentro del sistema y de obtener recursos para proyectos de ayuda.El tiempo

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'Calle 13' entre la música y la política

"Tengo un doble peso, tengo una batalla cabrona, estoy dentro del cabrón sistema batallando con el sistema", replicó ante las reiteradas críticas que le señalan por acusar al poder con sus rimas mientras vive como una estrella de la música.

El cantante justificó su pertenencia a una multinacional del disco y su presencia en los círculos del espectáculo: "Queremos sonar en la radio para tener plata para hacer escuelas".El tiempo

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Marian Sobula en concierto

Marian Sobula, graduado con honores de la Academia de Música de Cracovia en el año 2005, ha sido reconocido alrededor del mundo como uno de los pianistas más talentosos de esta generación.

En el año de 2008 realiza su debut profesional junto a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar en el Teatro Teresa Carreño en Caracas, Venezuela, éste fue su primer concierto de piano.

En 2010 visitará por primera vez a importantes ciudades como Bogotá, República Dominicana, Ciudad de México, Montevideo, Miami, New York, San Francisco, Kuala Lumpur, Nueva Dehli y Singapur. El tiempo

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Carrera musical de willie johnsons

Johnson aprendió rápidamente a tocar la guitarra de doce cuerdas, dejándole su padre en las esquinas de las calles para que cantara y consiguiera dinero. Existe una historia acerca del arresto de Johnson por estar a punto de iniciar una revuelta en los juzgados de Nueva Orleans, al interpretar la canción "If I Had My Way I'd Tear the Building Down"; según Samuel Charters, el arresto se debió a que cantó delante de los juzgados y fue escuchado por un policía, el cual malinterpretó la letra de la canción creyendo que incitaba a una revuelta.^[2]
Johnson realizó 30 grabaciones musicales en cinco sesiones de grabación separadas, de 1927 a 1930, para la compañía discográfica Columbia Records; en algunas de estas grabaciones, Johson utiliza un estilo rápido con púa, mientras que en otra toca la slide guitar. Algunas de las grabaciones más famosas de Johnson incluyen la interpretación de una canción famosa de gospel, "Let Your Light Shine On Me", así como "Dark Was The Night, Cold Was The Ground", canción que trata acerca de la crucifixión de Jesús.
En 14 de estas grabaciones le acompañan bien Willie B Harris o una voz femenina que no se ha podido identificar; algunas de estas grabaciones son "Church I'm Fully Saved Today", "John the Revelator", "You'll Need Somebody on Your Bond" y "Keep Your Lamp Trimmed and Burning". wikipedia

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la vida de Johnson

Johnson no nació ciego, y a pesar de que no se sabe realmente cómo perdió la vista, Angeline Johson relató a Samuel Charters: "Cuando Willie tenía siete años, su padre pegó a su madrastra al encontrarla con otro hombre; la madrastra cogió lejía y se la tiró a la cara del joven Willie".^[1]
Johnson permaneció en la pobreza hasta su muerte, predicando y cantando en las calles de Beaumont, Texas, a cualquiera que quisiera escucharle. En 1945, la casa de Johnson se quemó, por lo que el músico terminó viviendo en las ruinas de la misma y durmiendo en una cama mojada, hasta que falleció debido a una neumonía (a pesar de ello, el certificado de defunción indica que la causa de la muerte fue debida a malaria junto a sífilis). En una entrevista posterior, su mujer relató que intentó llevarle a un hospital pero que le fue denegada la entrada al mismo debido a la ceguera de su marido. wikipedia

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biografia de Blind Willie Johnson

Blind Willie Johnson nació en 1897 cerca de Brenham, Texas (anteriormente al descubrimiento de su certificado de defunción, se creía que nació en Temple, Texas). Su madre falleció cuando Blind aún era muy joven, volviéndose a casar su padre al poco tiempo.^[1]
Se piensa que Willie Johnson se casó en dos ocasiones, la primera de ellas con una mujer que tenía el mismo nombre que él, Willie B Harris, y posteriormente con una joven cantante llamada Angeline Johnson, hermana del guitarrista de blues L.C. Robinson (no obstante, aún no se han descubierto los certificados de matrimonio). Las primeras investigaciones en la biografía de Johnson, realizadas por Samuel Charters, llevaron a la conclusión de que Angeline era la persona que cantaba en las grabaciones del artista; posteriores investigaciones demostraron que en realidad fue la primera mujer de Johnson. wikipedia

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jazz

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:

• En primer lugar, tanto por su constante asimilación de otras tendencias musicales estilística o culturalmente ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
• En segundo lugar, por la sucesión de forma ininterrumpida de un numeroso conjunto de subestilos que, vistos en perspectiva, manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias musicales wikipedia

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Western swing

El Western swing es un genero de música country originada en el suroeste de Estados Unidos en la década de los años 20, entre los grupos populares de música western a partir de la influencia del jazz.^{[1] [2] [3] [4] [5]}
La mayor parte del Western swing es música bailable de ritmo rápido^{[6] [7]} que consiste en una combinación de Música folclórica de Estados Unidos, cowboy, polka, New Orleans Jazz, dixieland y blues, enmarcado en un swing de jazz^[8] tocado con una banda de saxofones, pianos y steel guitar que suelen improvisar.^[9] Al evolucionar, las formaciones incluyen también una influencia del bebop. wikipedia

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Música popular del rock

La música popular se opone a la música docta y es un conjunto de géneros y estilos musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.
Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con la llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media.
Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner, que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la televisión. wikipedia

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Música contemporánea pascuense

Música contemporánea. El pop ha ido haciéndose espacio en la isla y es así como nos podemos encontrar con conjuntos isleños que hacen uso del funk, el jazz y el rock en interpretaciones que muestran de todos modos su raíz nativa, aunque con el peligro de perjudicar el folclor. Por supuesto, su cultivo ha significado la incorporación de teclados, bronces, batería e instrumentos electrónicos.

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musica pascuense

Música moderna. La influencia de los visitantes hizo que los pascuenses adoptaran y personalizaran otras formas musicales polinésicas, sobre todo danzas entre las que encontramos el Tamuré, el Sau-Sau (en la práctica el baile isleño oficial), el Ula-Ula, el Opa-Opa y el Tari-Tarita, todas ellas introducidas durante el siglo XX y provistas de la sensualidad de regiones como Samoa y Tahiti. La liturgia católica de la isla, por otro lado, se ha beneficiado del desarrollo de temas que aportan el rico aire antiguo. La música se enriqueció también con la adopción de instrumentos como el ukelele, la guitarra, diversos tipos de tambores, flautas (hio, hecha de bambú), la cacharaina (kauaha, quijada de equino) y el acordeón (upa-upa).

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Música pascuense

Música antigua.^[5] Se ha dicho del pueblo Rapa Nui que es una de las culturas más musicales del planeta, (Bello, 1995). Tratándose de la isla más aislada de otra tierra en el mundo, su música más antigua nos resulta sorprendente tanto por sus expresiones y modos de interpretación como por el hecho de que la tradición e historia de este pueblo se transmiten a través del canto. Completamente vigente, el canto de Rapa Nui se distingue por el uso de múltiples recursos vocales como quejidos, pausas y acentos , una rica polifonía e improvisación. Los cantos suelen ser de origen ritual y recrean historias tanto previas como posteriores al origen mítico con Hotu Matu'a. Por la escasez de recursos físicos, los instrumentos musicales se restringían a la percusión de conchas, piedras (maea), maderas (ua, parecido a un remo) y un tambor muy original (keho). Los bailes antiguos también son rituales y recrean sus leyendas al compás del canto o la percusión.

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Zamba carpera

En Argentina existe una variante de zamba llamada zamba carpera, el nombre de la misma se debe a que es realizada dentro de las grandes carpas (tiendas de campaña) que se usan para resguardar a las parejas de bailarines durante el carnaval o chaya en el NOA.
La zamba carpera tiene un ritmo más stacatto y ligero que la zamba común, sus sonidos recuerdan a los de la chacarera y, dado que su música suele hacerse con bandoneón, también recuerda al uso de "acordeonas" que se hace en el chamamé. wikipedia
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ritmo de la zamba

Su ritmo es motivo de controversia, porque hay algunos músicos que la definen como una danza puramente en compás de 6/8, mientras que otros como el músico Juan Falú consideran que en realidad es una danza de ritmo mixto, con una base en 3/4 y una melodía en 6/8, mientras que hay otros, como Adolfo Ábalos o Hilda Herrera que sostienen que ésta es una danza puramente en 3/4. wikipedia

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Zamba

La zamba —que no debe confundirse con la samba brasileña—, es un género musical bailable del folclore del noroeste de la Argentina, y de la zona de Tarija y Santa Cruz, al este de Bolivia. Ha sido propuesta como danza nacional de la Argentina.^[1
Los musicólogos coinciden en que proviene de la zamacueca, surgida en 1824 en Lima, en el momento en que el Perú obtenía su independencia liderado por el general argentino José de San Martín.
Su denominación como "zamba" se refiere al término colonial que se aplicaba a las mestizas descendientes de indio y negra (o viceversa). La danza está diseñada para seducir a las zambas, y de allí su nombre, tanto en el Perú como en la Argentina. wikipedia

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canto del Táchira

En cuanto a las escalas a que se ajustan estas melodías, varían entre sí, de acuerdo con el tipo de música regional. Así, un canto del Táchira para recoger café difiere mucho de un canto llanero para el arreo. Pero en general, todos muestran un carácter antiguo.
De acuerdo con el diccionario Universal de la Música de Kurt Pahlen, transcribimos las siguientes interpretaciones:
Tonada: significa melodía, pero también un tipo de canción popular española y latinoamericana, de tipo algo sentimental.
Tonadilla: diminutivo de tonada; significa originalmente una canción después de una pequeña obra teatral con cantos, parecida al vaudeville y al sinspiel alemán. Fue sumamente popular en los teatros de Madrid a partir de mediados del siglo XVIII, como intermedio intercalado en obras grandes y, más tarde, como espectáculo propio.
Copla: significa originalmente las estrofas de una canción española, luego la canción misma, de carácter popular y medidas breves, preferentemente. Existe un parentesco entre la copla española y el couplet francés. wikipedia


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Las orquestas contemporáneas contra liszt

Estos aspectos del poema sinfónico requerían que los intérpretes tuvieran una calidad superior, una perfecta entonación, buen oído y conocimiento del papel de los miembros de la orquesta. La complejidad pudo haber sido una de las razones por las que Liszt instó a otros directores para «mantenerse al margen» de sus obras hasta que estuvieran preparados para hacer frente a los cambios. Muchas de las orquestas de pequeños pueblos en esa época no estaban capacitadas para satisfacer las demandas de esta música.^[73] Las orquestas contemporáneas también se enfrentaron a otros retos al interpretar los poemas sinfónicos por primera vez. Liszt mantuvo sus obras como manuscritos, distribuyéndolas a las orquestas durante su gira. Algunas partes de estos manuscritos tenían tantas correcciones que los intérpretes tenían dificultades para descifrarlos y más aún para interpretarlos adecuadamente.^[67] Los poemas sinfónicos fueron considerados tal riesgo financiero que las partes orquestales de muchos de ellos no se publicaron hasta la década de 1880 wikipedia

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pasajes extensos

El público pudo haberse visto desafiado por la complejidad de las obras, que también habían causado problemas a los músicos. Escritas en nuevas formas, los poemas sinfónicos usaron pulsos poco ortodoxos, produciendo en ocasiones un ritmo inusual. El ritmo irregular provocó dificultades de interpretación y sonaba errático a los oyentes. Comparado con las suaves armonías de las sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart o Joseph Haydn o muchas otras arias operísticas de la época, las avanzadas armonías de los poemas sinfónicos podían producir música chillona o incómoda. Debido al uso de armaduras de clave inusuales, los poemas sinfónicos tenían muchos sostenidos y bemoles más que una obra musical habitual. El mayor número de notas planteaba un desafío a los músicos, ya que tenían que variar el tono de las notas en concordancia con la partitura. Las rápidas fluctuaciones en la velocidad de la música fueron otro factor de complejidad de los poemas sinfónicos. El uso constante de texturas de música de cámara, que eran producidas dando a los solistas pasajes extensos o con pequeños grupos para interpretar pasajes en conjunto, ponía en tensión a la orquesta; los errores del solista o del pequeño grupo no podrían ser «tapados» por el sonido de la orquesta en pleno y serían obvios para todo el mundo wikipedia

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Las nuevas obras de Liszt

Las nuevas obras de Liszt no tenían un éxito de público garantizado, especialmente en las ciudades en las que los oyentes estaban acostumbrados a programas de música más conservadores. Aunque tuvo «un éxito sólido» con Prometheus y Orpheus en 1855 cuando las dirigió en Brunswick,^[68] el ambiente para Les Préludes y Tasso, Lamento e Trionfo, que se representaban ese diciembre en Berlín, fue más frío.^[69] Su representación de Mazeppa dos años después en Leipzig casi fue detenida debido a los silbidos de la audiencia.^[67] Ocurrió un incidente similar cuando Hans von Bülow dirigía Die Ideale en Berlín en 1859; después de una representación, el director se volvió hacia el público y ordenó a los manifestantes abandonar la sala, «ya que no es costumbre silbar en esta sala».^[70] Las cosas mejoraron un poco en las décadas siguientes, gracias a los esfuerzos de los discípulos de Liszt, como Bülow, Carl Tausig, Leopold Damrosch y Karl Klindworth.^[67] Sin embargo, el público de la época no entendió estas composiciones. wikipedia


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Ranchera

Sus orígenes datan del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue difundo con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de 1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.
Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o línea, culminando en una "terminación fundida".
En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.
Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional. wikipedia

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Chotis madrileño

El chotis llegó a Madrid en 1850 y se bailó por primera vez, en el Palacio Real, la noche del 3 de noviembre de aquel año, bajo el nombre de Polca Alemana. A partir de ese momento, alcanzó gran popularidad y llegó a ser el baile más castizo del pueblo de Madrid, hasta convertirse en un símbolo del Madrid festivo.
Según el periodista José Ayala, el chotis, y su organillo acompañante, fue introducido en Madrid por un inmigrante siciliano llamado Antonio Apruzzese, ver Organillo/Referencias madrileñas madrile.C3.B1as, que durante una estancia en Viena aprendió el secreto de las pianolas y fue el primero en traerlas a Madrid, instalando su taller en la Calle de San Francisco. Allí en Madrid se las llamó "organillos", y la música de ritmos austríacos que traían llamada Schotis encandilo a los chulapos madrileños. En una calle de Madrid, en la Cava Baja, aún hay un bar que recuerda esta historia y cuyo nombre es "Schotis". wikipedia

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Xote brasileño

El "Xote" es la versión brasileña del baile y se considera que llegó al país por inmigrantes de Alemania en el Siglo XIX. En aquellos años los varios estilos del baile fueron populares entre las clases altas de la sociedad brasileña, especialmente durante del reinado del Emperador Don wikipedia


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Chotis argentino, paraguayo y uruguayo

n Argentina, Paraguay y Uruguay, el chotis o schottis fue introducido por los inmigrantes alemanes del Volga y polacos asentados a partir de la segunda mitad del siglo XIX, en la región litoraleña de los ríos Paraná, Paraguay y Uruguay que integran la Cuenca del Río de la Plata. Constituye uno de los estilos destacados de lo que en la Argentina se llama música litoraleña.
El chotis acompañó el ingreso a la región de uno de sus instrumentos más característicos, el acordeón diatónico, de una y dos hileras, que se sumó a la guitarra van a formar la orquesta típica campesina o campiriña. Una vez instalado, el chotis se fusionó con la música folcórica de la región, fuertemente influenciada por la cultura indígena guaraní, adoptando las características que lo distinguen.^[1] Luego de fusionarse con la música de origen indígena guaraní, dio origen al chamamé moderno.^[2]
Entre los intérpretes se destacan los misioneros Luis Angel Monzón (el Rey del Chotis) y el Chango Spasiuk. wikipedia

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sanjuanino Buenaventura Luna

El 1 de octubre de 1937 el sanjuanino Buenaventura Luna (Sentencias del Tata Viejo) y su grupo La Tropilla de Huachi Pampa (Entre San Juan y Mendoza), del que formaba parte el Dúo Tormo-Canales (Antonio Tormo y Diego Canales) debutaron en Radio El Mundo de Buenos Aires, abriendo camino a la difusión masiva de la música folclórica;^[49] el éxito llevó a la emisora a poner en el aire en 1939, el programa folclórico El Fogón de los Arrieros.^[50]
En los años cuarenta se destacó el éxito nacional del grupo santiagueño Los Hermanos Ábalos (Nostalgias santiagueñas, De mis pagos, Chacarera del rancho), surgidos en 1939, y la aparición de una generación de músicos clásicos, que utilizarían en sus composiciones los estilos musicales del folclore argentino, especialmente Carlos Guastavino y Alberto Ginastera. En esta década se generalizaron también los dúos folclóricos, como el ya mencionado Dúo Tormo-Canales, y otros como el Dúo Benítez-Pacheco, el Dúo Hermanos Cáceres, el de las tucumanas Vera-Molina,^[51] y conjuntos como el exitoso Llajta Sumac dirigido por el dúo riojano Velárdez-Vergara. wikipedia

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la ola inmigratoria

A partir de mediados de 1930, la ola inmigratoria proveniente de ultramar comenzó a decaer, a la par que se generó una gran ola migratoria interna, del campo a la ciudad y de las provincias (el «interior») a Buenos Aires. Este último proceso llevó el folclore a Buenos Aires, especialmente, y preparó la condiciones para lo que se llamaría el «boom del folclore» en los años cincuenta y sesenta.

Primer disco de Atahualpa Yupanqui: Caminito del indio, 1936. Yupanqui recién alcanzaría el reconocimiento popular en los años sesenta.

La escasa importancia concedida a la música folclórica queda de manifiesto en una nota publicada por la revista Sintonía en 1935, titulada «Recital indígena por Radio Fénix» en la que realizaba la crónica de la presentación de un joven cantante, Atahualpa Yupanqui:
Agradable nota artística y no muy frecuente es la que ha ofrecido por le emisora Fénix, el intérprete Atahualpa Tupanqui [sic, por Yupanqui]. La música indígena no ha tenido aquí una cabal manifestación hasta que el magnífico pianista Argentino Valle la reveló en emotivas interpretaciones. La actuación de A. Tupanqui [sic] no puede ser sino elogiosamente comentada y es de esperar que el artista reafirme el comentario periodístico con una actuación sobresaliente. wikipedia

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Resurgimiento del folklore

Ya desde fines del siglo XIX había comenzado un esfuerzo por recuperar el folclore como música nacional, impulsado por recopiladores como Ernesto Padilla, Andrés Chazarreta y Juan Alfonso Carrizo. La música folclórica comienza a divulgarse por el norte del país y para los años veinte ya está lista para proyectarse nacionalmente.^[45]
El resurgimiento nacional del folklore se fue produciendo por etapas. El 25 de agosto de 1906 Andrés Chazarreta realizó un histórico recital de guitarra en el Teatro Cervantes de Santiago del Estero que inició con la interpretación de Zamba de Vargas, una canción popular anónima, probablemente la primera en tomar forma de zamba argentina, a la que se le ha atribuido haber sido tocada durante la trágica Batalla de Pozo de Vargas de 1867 provocando la victoria santiagueña, y que el propio Chazarreta recopiló tomándola de su entorno familiar. En ese momento se denominaba «música nativa» —el término «folklore» y «música folklórica» para referirse a la música popular inspirada en ritmos pertenecientes al folclore aparecería en los años cincuenta— y el propio Chazarreta formó su Compañía de Arte Nativo del Norte Argentino, que debutó el 19 de junio de 1911 y con la que recorrería el país.^[46]
Por entonces, Buenos Aires se constituyó en centro para la difusión masiva de la música argentina, debido a la vitalidad de su mundo del espectáculo, a ser la sede de las compañías grabadoras de discos (los primeros discos argentinos para gramófono se grabaron en 1902^[47] ), y la sede de las principales radioemisoras (Buenos Aires fue la ciudad en la que se realizó la primera transmisión radial de la historia, el 27 de agosto de 1920).
Si bien en los años '10 el dúo Gardel-Razzano —que provenían del arte de la payada y la milonga campera—, grabó varias canciones de base folclórica (El sol del 25 y La huella), se considera que el momento clave del resurgimiento del folclore argentino fue la histórica representación que Andrés Chazarreta en Buenos Aires, el 16 de marzo de 1921 en el teatro Politeama, donde con gran éxito expuso sus recopilaciones de canciones populares como Zamba de Vargas, La López Pereyra (compuesta por Artidorio Cresseri en 1901), La Telesita, etc.^[46] En 1925 grabaría para el sello Elektra su primer simple, con La 7 de abril y Santiago del Estero. wikipedia

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Recuperación del estilo de López Farfán

Durante el periodo ocupado por la Guerra Civil Española y la posguerra, la marcha procesional se había caracterizado por una marcada tristeza y seriedad, sólo roto de manera muy tímida, en alguna obra concreta. Pero la aparición en el panorama musical sevillano de Santiago Ramos Castro en 1953 supuso la recuperación del estilo de López Farfán, y lo hace con la composición de la marcha «Virgen de las Aguas». En adelante serían cada vez más los que recurrirían al estilo «farfaniano»” a la hora de componer música procesional.

Semana Santa de Valladolid.

Esto en cuanto a lo que a Sevilla concierne, ya que en el resto de Andalucía no se produciría la aparición de marchas de este tipo hasta bien entrada la década de los años ochenta, también, salvo excepciones. Mientras, la marcha procesional experimenta un desarrollo nunca antes visto, apareciendo nuevamente, la figura del músico militar, como el ya tratado Pedro Gámez Laserna o como Juan Vicente Mas Quiles. Quien, tras pasar por la ciudad hispalense, recala en Valencia sin dejar de firmar partituras religiosas.
Otros nombres salen a la palestra, como el caso de Pedro Morales Muñoz. A este periodo se la ha denominado la Edad de Oro de la marcha procesional en contraste con el sombrío periodo anterior. wikipedia

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Pedro Braña Martínez

El asturiano de nacimiento, Pedro Braña Martínez sin duda alguna se encuentra entre los compositores más destacados de la posguerra. La puesta al frente de la Banda Municipal de Sevilla se considera providencial para el patrimonio musical de la Semana Santa sevillana, que tras la Guerra atravesaba, como otras muchas, momentos malos.
Su forma de entender la marcha procesional, unida a un marcado sentimiento religioso, fueron los ingredientes necesarios para producir un repertorio de gran delicadeza. Sus obras rebosan de elegancia, comenzando por «Angustia» compuesta en 1945, y siguiendo con «Nuestra Señora del Patrocinio» de 1953 y terminando con «Salmo Penitencial» en los años noventa, todas ellas de gran categoría. Pero sin duda alguna, de entre toda su obra destaca «Coronación de la Macarena» compuesta en el año 1964 expresamente para la Coronación Canónica de la Esperanza Macarena. wikipedia

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Pedro Gámez Laserna

Pedro Gámez Laserna transcurre su vida artística entre Córdoba, dirigiendo la Banda Militar del Regimiento de Infantería de Lepanto y la del Regimiento Soria 9 de Sevilla. Impregnó la marcha procesional con cierto carácter militarista, aportando unas instrumentaciones muy completas y logradas enalteciendo sus originales melodías y dándole gran lucimiento a los instrumentos, teniendo siempre en cuenta sus tesituras y posibilidades tímbricas.
En 1949, Pedro Gámez Laserna logra con «Saeta cordobesa» fundir la saetilla dentro de la marcha urdiéndola de manera primorosa con ricas armonías y contrapuntos, como ya habían hecho anteriormente Farfán, o Pascual Marquina Narro en su «Procesión de Semana Santa en Sevilla». También destacan composicones como «Salve Regina Martyrum» de 1952, «El Cachorro saeta sevillana», de 1967, «Pasa la Virgen Macarena» de 1959, «María Santísima del subterráneo» de 1961 o «Sevilla cofradiera», de 1972. wikipedia

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Biografia de Ahmed Soultan

Nacido en Marruecos, en 1978, en un pueblo de la región de Souss, emigra muy joven en Francia con sus padres, pero conserva estrechos vínculos con su tierra natal. Es en 1997 que se afirma su inclinación artística. Es en efecto en esta época que Ahmed Soultan cruza el camino de dos amigos entrevistados sobre los bancos de la escuela, formando hoy al grupo Afrodisiac.
Se asocia a Kamelancien en me observa me. En su primer álbum Tolerancia Ahmed Soultan compromete una una música donde las influencias marroquíes y árabes se mezclan agradablemente a las notas occidentales, de la música pop en particular.
Actualmente está considerado una de las mejores voces marroquíes del Soul junto a los cantantes Oum y el actualmente residente en España Med Ziani
Code es el título de su segundo álbum wikipedia

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Ahmed Soultan

Ahmed Soultan (حمد سلطان ) es un cantante que representa la nueva escena marroquí. Se dice que ha "un valor ascendente para la etiqueta discográfica Platinium Music". Se califica también su música de universal, de groove y de música árabe urbana y también de soul. wikipedia

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Biografía de Med Ziani

Nacido en Marruecos, en el pueblo de Alhucemas, en la región del Rif,después de tener varias experiencias musicales de Éxito en su País natal, Med se traslada a España para seguir trabajando y para ampliar su experiencia musical.
Med ziani conserva estrechos vínculos con su tierra y su cultura Bereber. Es en 1996 que empieza a hacerse camino profesionalmente en el mundo de la música Amazigh Bereber y de la fusion
En 1999 Graba y co-produce lo que seria su primer trabajo discográfico, entonces, innovador Album, con el grupo SORIF fusionando estilos como el pop, el country o el Rock en dialecto Rifeño AWAREN Fue El Fruto de este esfuerzo artístico surjido de muchas complicaciones a nivel de financiación y censura, el disco fue rechazado por las discográficas por miedo al fracaso de aquellos estilos inusuales para la época en marruecos y censurado por su contenido reevindicativo y por ser uno de los pocos auto-producidos en este dialecto
Awaren está considerado actualmente una referencia para la juventud no solo en el rif ,si no a nivel nacional, se considera un álbum que ya ha pasado a formar parte del Movimiento Nayda artística Nacional ( una especie de movida madrileña a la marroquí )
Med Ziani forma parte del colectivo de artistas inquietos, Combina entre varios proyectos que podrían ser muy interesantes tanto en técnicas de sonido como a nivel de temática social, comprometido, y gran amante de la fusión y de las colaboraciones
Med tiene una voz camaleónica, capaz de crear y fusionar varios sonidos opuestos y diferentes, tiene un gran bagaje musical intercultural y siempre consigue plasmar un toque diferente a través de su voz esquizofrenica su capacidad inusual de pasar de un estilo al otro, hace que se haga el equilibrio entre la modernidad y la comlejidad de las músicas occidentales y la inocencia y simplitud de la Música Amazigh " Soul , jazz, Rare Groove y funky con matices de música bereber del Rif, ritmos Gnaoua y navegando por las escalas Amazighs y Arabes "...

Actualmente está considerado una de las voces modernistas de la gran diaspora Amazigh, activista social y uno de los compositores y productores más activos de la nueva escena marroquí, junto a otros artistas como,Darga , Amarg Fusion , Oum , Raiss Tijani y Ahmed Soultan entre otros... forman una nueva generación de artistas que apuestan por enriquecer y dar a conocer una nueva faceta de la música Amazigh.
Med Ziani trabajó en Andalucía con el proyecto BYBUS de Granada junto a músicos de diferentes países y con el Grupo Jammin'Dose de málaga ofreciendo Conciertos en Directo ( ver links en apartado enlaces )
Actualmente Med está trabajando en varios proyectos , con importantes colaboraciones de varios músicos , fusionando varios idiomas y diferentes estilos musicales con su Toque Especial wikipedia

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